PABLO PICASSO 2. SEGUNDA Y ÚLTIMA ENTREGA
DE INTERÉS GENERAL
El 19 de febrero llegó con Cocteau a Roma para unirse a Diágilev y los Ballets Rusos. Permaneció ocho semanas en el Grand Hôtel de Russie, en la esquina de Via del Babuino y la Piazza del Popolo, donde hizo muchos dibujos de la Villa Médici desde su ventana. Produjo muchos bocetos para los vestidos y decoración del ballet en un estudio alquilado en el 53b de la Via Margutta. Cuando no estaba trabajando socializaba con Diágilev, el coreógrafo de la obra Léonide Massine, el diseñador escénico Léon Bakst, Cocteau e Igor Stravinsky, de los que hizo retratos rápidos y caricaturas. También se encontró con los artistas futuristas italianos y visitó los lugares famosos de la ciudad con ellos, la Capilla Sixtina, las Estancias de Rafael y los museos vaticanos de escultura. Su estancia en Roma renovó su interés en el estilo académico de Ingres, cuya influencia se reflejaría en su obra en los años siguientes. Durante este periodo conoció a la bailarina Olga Khokhlova, miembro de la compañía de Diágilev con la que acabaría casándose.
Partitura de Parade, música de Erik Satie. Este ballet fue la primera de una serie de colaboraciones de Picasso para la realización de telones, decorados y vestuarios para el teatro o la danza.
En marzo de 1917, Diágilev llevó a Picasso, Stravinsky, Cocteau y Massine de viaje a Nápoles, desde donde visitaron las ruinas de Herculano y Pompeya. En esos días vio la luz en París el magacín de literatura vanguardista Nord-Sud, que durante su corta existencia destacó como un poderoso foro de discusión vanguardista sobre cubismo, e intentó reunir los centros parisinos de literatura tradicional y de vanguardia, Montmartre y Montparnasse. Entre sus colaboradores se encontraban buena parte de los escritores que darían forma al surrealismo: Apollinaire (que acuñó el término por esas fechas), André Breton, Louis Aragon y Tristan Tzara entre otros. En abril, Cocteau regresó a París y Picasso se unió a la compañía de los Ballets Rusos en su viaje por Italia para estar cerca de Olga, pasando por Florencia (donde visitó la Capilla de los Médici, con las tumbas realizadas por Miguel Ángel) y Venecia.
Tras la gira por Italia, la compañía se dirigió a finales de abril a París, donde el 18 de mayo de 1917 tuvo lugar la primera presentación de Parade en el Théâtre du Châtelet. La conjunción de estilos vanguardistas en arte, música y coreografía de la obra, en un periodo marcado por la guerra en Europa, convirtió ésta en el escándalo que Diágilev esperaba, siendo tachada de «ofensivamente anti-francesa». Apollinaire señaló en su ensayo para el programa del ballet que la síntesis de los diseños de Picasso y la coreografía de Massine alcanzaba por primera vez un tipo de «surrealismo donde veo el punto de partida de una serie de manifestaciones de este Nuevo Espíritu». Las noticias en la prensa fueron, por otro lado, terribles.147 Entre mayo y junio realizó un realista Autorretrato (Museo Picasso, París)151 y Los ojos del artista (Museo Picasso, Málaga)
Estancia en Barcelona
Enamorado de Olga, Picasso acompañó a los Ballets Rusos a Madrid, donde actuaron durante el mes de junio; por influencia de Olga y su contacto con la compañía, Picasso frecuentó la alta sociedad madrileña. El 23 de junio llegaron a Barcelona, donde los Ballets Rusos representaron Las Meninas en el Teatro del Liceo. A finales de mes la compañía partió para Sudamérica, mientras que Olga y Picasso, ya comprometidos, se quedaron cuatro meses en Barcelona, donde sus amigos artistas catalanes Miguel Utrillo, Ángel Fernández de Soto, Ramón Reventós, Pallarés, Ricardo Canals, los hermanos Vidal y Francisco Iturrino le dieron un banquete de bienvenida en las Galerias Layetanes en julio.147 Pintó el naturalista Arlequín de Barcelona (Museo Picasso, Barcelona)153 y Olga Kokhlova con mantilla (Museo Picasso, Málaga);154 Mujer con vestido español (La Salchichona) (Museo Picasso, Barcelona), con técnica divisionista;155 en un estilo cubista, Mujer sentada en un sillón (Personaje) (Museo Picasso, Barcelona)156 y Frutero (Museo Picasso, Barcelona).157 También realizó numerosos dibujos de corridas de toros y retratos y dibujos de Olga.
En noviembre los Ballets Rusos volvieron a España; representaron Parade en Barcelona, con una tibia recepción; durante la representación la hermana de Picasso, Lola, y su marido le presentaron al por entonces estudiante de arte Joan Miró. A finales de noviembre Olga y Picasso se preparan para volver a París.
Periodo duquesa
La tumba de Apollinaire en el cementerio del Père Lachaise presenta un monumento-menhir concebido por Picasso y financiado por la venta de dos obras de Matisse y Picasso el 21 de junio de 1924.
1918 marca el inicio de lo que Max Jacob identificó como el periodo duquesa, que términó sobre 1923. Desde el 23 de enero hasta el 15 de febrero de 1918, Picasso expuso con Matisse en la galería de Paul Guillaume, una serie de pinturas protocubistas. En un clima aún hostil al cubismo, la exposición suscitó numerosos comentarios en la prensa; es posible que Las señoritas de Aviñón fueran parte de la exposición. Finalizó un Retrato de Olga en un sillón (Museo Picasso, París) en el estilo neoclásico de Ingres; Olga insistía en que sus retratos fueran reconocibles.
Entre abril y mayo se mudó con Olga al Hotel Lutetia, un hotel de moda de primera clase en el bulevar Raspail; su estilo de vida cambió, frecuentaba el círculo de los Ballets Rusos y se movía entre la alta sociedad. El 12 de julio se casó con Olga, primero en la ceremonia legal requerida y luego en una misa de tres horas en la Iglesia Ortodoxa Rusa de la calle Daru, en París. Sus familias no acudieron, y Picasso pidió a Jean Cocteau, Max Jacob y Apollinaire que actuaran como testigos. Tras la boda, Olga se negó a ir a Montrouge, diciendo que no volvería jamás a esa casa «que olía a demasiadas mujeres». El 30 de julio llegaban a Biarritz en luna de miel; permanecieron en la Villa La Mimoseraie, de su amiga Eugenia Errazuriz. Allí desarrolló temas marinos, como Las bañistas (Museo Picasso, París), en un estilo manierista con reminiscencias de sus figuras alargadas inspiradas en el estilo de El Greco. Su anfitriona le presentó a los marchantes de arte Georges Wildenstein y Paul Rosenberg; Rosenberg, en nombre de Wildenstein, hizo un contrato con Picasso. Realizó algunos retratos al estilo neoclásico de Ingres de sus mujeres y de la sociedad pudiente que venía de visita.
A finales de septiembre volvió con Olga a Montrouge. Paul Rosenberg se convirtió en el marchante oficial de Picasso, quien sólo aceptó un acuerdo verbal con éste, que otorgaba al marchante la primera opción a la obra del artista; Daniel-Henry Kahnweiler había sido su marchante desde 1907 hasta que estalló la guerra entre Alemania y Francia y se vio forzado a marchar a Suiza. El 8 de octubre Picasso alquiló un gran apartamento en la rue de La Boëtie. Es probable que conociera en aquella época a Louis Aragon, y a través de éste y Apollinaire a André Breton. Poco después, el 9 de noviembre de 1918, dos días antes de que se firmara el armisticio de Rethondes que ponía fin a la Primera Guerra Mundial, murió Apollinaire de gripe española en su apartamento del bulevar Saint-Germain. Desde entonces, Picasso visitó en esa fecha cada año la tumba de su amigo en el cementerio del Père-Lachaise.
El sombrero de tres picos
Durante 1919 siguió trabajando en obras cubistas y realistas simultáneamente. Realizó algunas obras realistas, en las que se aprecia cierta monumentalidad y peso escultórico en las figuras, como Naturaleza muerta con jarra y manzanas (Museo Picasso, París) y La siesta (MoMA, Nueva York)163 en el estilo robusto y clásico del último Ingres, un carácter escultural y apariencia masiva en las figuras que se manifestaría en sus obras neoclásicas de 1920.
La llegada de los Ballets Rusos a Londres tras la guerra coincidió con un momento en que interesarse por el arte, especialmente en arte de vanguardia, estaba de moda. El ballet permitía combinar el prestigio de los grandes bailarines con el escándalo de los jóvenes artistas revolucionarios, lo que tanto agradaba a esnobs como atraía a los intelectuales. En mayo Picasso llegó a Londres, donde Diágilev preparaba un nuevo ballet con música de Manuel de Falla, El sombrero de tres picos, basado en la novela homónima de Pedro de Alarcón. Picasso se entusiasmó con la historia, ambientada en el sur de Italia en el siglo XVIII; y con la oportunidad de trabajar de nuevo con Massine y por primera vez con Falla. Durante los tres meses que estuvo en Londres realizó numerosos bocetos, dibujos y acuarelas para los decorados, el vestuario y el telón, que pintó personalmente asistido por Vladimir Polunin y su esposa Elizabeth. Cuando no estaban ocupados con los ensayos y pruebas del ballet se relacionaban con la sociedad inglesa, donde Picasso conoció a muchos artistas y escritores.
El estreno de El sombrero de tres picos en el Alhambra Theatre el 22 de julio de 1919 fue un enorme éxito que hizo que en poco tiempo se abrieran escuelas de danza española en Londres.Massine había aprendido los ritmos del flamenco y los aplicó en la coreografía de los bailarines, cuyo vestuario se adaptaba a la acción. Picasso había utilizado instintivamente curvas y zig-zags, motivos característicos de los carros de los campesinos españoles, ritmos que descienden probablemente de los arabescos caligráficos árabes. El contraste de verdes, rosas, rojo y negro evocaban igualmente España. El crítico Jean Bernier escribió: «todo el vestuario está, sin excepción, lleno de calidez y fuerza, templado por un gusto por la dignidad que es muy andaluz».
Acompañando al éxito del ballet vino la vida social; Picasso y Olga, para deleite de ésta, fueron invitados a una serie de fiestas de la alta sociedad. Picasso encargó trajes en los mejores sastres y aparecía impecablemente vestido en las recepciones de moda. En agosto Olga y Picasso volvieron a París, y de allí marcharon a Saint-Raphaël, en la Costa Azul; es probable que en el trayecto en tren Picasso observara la escena de cosecha que describió en La siesta. El tema de las ventanas en Saint-Raphaël, que trabajó ese verano en muchas acuarelas y dibujos, persistió en la obra de Picasso a su retorno en otoño a París hasta inicios de 1920.
Pulcinella
Instalado en su apartamento de la rue de la Boëtie, Picasso se fue distanciando de la bohemia en la que vivía antes de la guerra; su vida personal era más tranquila, aunque se le podía ver vestido elegantemente en cócteles o comiendo fuera acompañado de Olga, vestida de Chanel. Su vinculación a los Ballets Rusos y a los marchantes Léonce y Paul Rosenberg le proporcionó una atención más favorable de la crítica y una mayor visibilidad.
En diciembre de 1919 Diágilev, de nuevo en París tras la temporada de Londres, le invitó a colaborar en un nuevo ballet inspirado en la Commedia dell'Arte, Pulcinella, con música de Stravinsky. Diágilev rechazó los primeros bocetos por ser demasiado modernos y recargados, posteriormente Picasso los simplificaría. A principios de 1920 desarrolló un gran número de bocetos y estudios para Pulcinella.
El 23 de enero de 1920 se representó El sombrero de tres picos en el Théâtre National de l'Opéra de París, al que invitó a su amigo Max Jacob, al que veía con menos frecuencia. Yendo hacia el teatro Jacob fue golpeado por un automóvil y hospitalizado; Picasso le visitó frecuentemente en el hospital, pero empezaron a verse menos a partir de entonces, dado que Jacob buscaba una vida social menos bulliciosa y pública.
Igor Stravinsky en 1921. El músico ruso colaboró con Picasso en varias ocasiones, tanto para los Ballets Rusos como en la publicación de sus composiciones. Picasso dibujó en 1920 un Retrato de Igor Stravinsky (Museo Picasso, París).
La idea de Massine para el ballet derivaba de las representaciones callejeras que vieron en el viaje que realizaron en 1917 a Nápoles. Junto a Diágilev, desarrollaron el libreto en base a antiguos textos napolitanos; la música de Stravinsky es un arreglo sobre música de Giovanni Battista Pergolesi, compositor italiano del siglo XVIII. Los primeros bocetos de Picasso eran de un estilo pseudorococó que, tras el rechazo inicial de Diágilev, simplificó en un estilo similar al cubismo con grandes superficies planas en azul, gris y blanco, sobre el que destacaba el vestuario de los personajes, basados en el estilo de los personajes tradicionales de la Commedia dell'Arte. Pulcinella se estrenó en el Théâtre National de l'Opéra de París en 15 de mayo de 1920.
Este estilo de los decorados de Pulcinella se extendió a la pintura de Picasso, como puede verse en Pulcinella con una guitarra delante de un telón (Massine saludando); los colores son vivos pero no estridentes, y la superficie pintada se volvió completamente plana. Durante el verano en Juan-les-Pins siguió desarrollando este estilo y temática en una serie de gouaches coloristas, geométricos y planos sobre la Commedia dell'Arte, como Pierrot y arlequín (Galería Nacional de Arte, Washington). En septiembre, aún en Juan-les-Pins, produjo una serie de dibujos y acuarelas sobre un tema de la antigüedad mediterránea, un episodio del intento de rapto de Deyanira, mujer de Hércules, por el centauro Neso, inspirados en los frescos pompeyanos que vio en su viaje a Nápoles en 1917.
Cuadro flamenco
El 4 de febrero de 1921 nació su primer hijo, Pablo. En primavera inició los estudios para Cuadro flamenco, otro ballet de Diágilev, quien en esta ocasión contrató un grupo de ocho bailarines y cantantes andaluces para los que Falla hizo un arreglo de música popular. En principio había sido encargado al también español Juan Gris, pero Picasso, aduciendo que éste estaba enfermo y no tendría tiempo para desarrollar el proyecto con un plazo tan corto, se le adelantó presentando la idea que abandonó en Pulcinella de una cortina con ornamentos rococós y los proscenios con parejas observando el espectáculo, como puede verse en Proyecto de decorado para Cuadro flamenco (Museo Picasso, París). La relación con Gris se enfrió a consecuencia de ello, situación que se mantuvo hasta su fallecimiento en 1927. El 22 de mayo se estrenó la obra, en el Théâtre de la Gaîté-Lyrique. La cubierta del programa estaba ilustrada con cuatro desnudos en la playa en un estilo neoclásico similar a otras obras del mismo tiempo. A su vuelta a París, continuó con trabajos en el estilo monumental neoclásico.
Durante el verano, evitando el calor del sur de Francia, se trasladó con Olga y Pablo a Fontainebleau. El verano en Fontainebleau fue prolífico, con una mayoría de obras en el estilo escultural neoclásico. Los temas principales son madre y niño y mujeres en una fuente; puede verse en Madre e hijo en la orilla del mar (Instituto de Arte de Chicago), y Tres mujeres en la fuente (Museo de la Orangerie, París), con vestidos y peinados grecorromanos. También creó dos obras maestras del estilo cubista sintético: Músicos con máscaras (MoMA, Nueva York) y Músicos con máscaras (Tres músicos) (Museo de Arte de Filadelfia); el tema rememora su colaboración con los Ballets Rusos, particularmente algunos de los estudios para arlequines y pierrots de Pulcinella.
Antígona
En 1922 Breton, asesor de Jacques Doucet en cuestiones de arte, comenzó a convencerle de la importancia de incorporar grandes obras de Picasso a su colección de arte moderno, que llevaría en 1924 a la adquisión de Las señoritas de Aviñón. En junio, durante una visita a Dinard (Bretaña), pintó Dos mujeres corriendo por la playa (La carrera) (Museo Picasso, París). una idealización de las figuras monumentales que pintó en 1921 con un nuevo elemento, el tratamiento del movimiento, que posteriormente sirvió de modelo para el telón de Le Train Bleu de Diágilev en 1924. También realizó algunos bocetos de su hijo y de su mujer y su hijo juntos, como puede verse en Familia a orillas del mar (Museo Picasso, París). El 20 de diciembre de 1922 se estrenó la adaptación modernizada de Jean Cocteau de la Antígona de Sófocles en el Théâtre de l'Atelier, en Montmartre (París). La obra contó con decorado de Picasso, vestuario de Coco Chanel y música de Arthur Honegger.
Léonide Massine, coreógrafo que colaboró habitualmente con Picasso en las producciones de los Ballets Rusos de Diágilev. Su Mercure fue el último ballet en el que trabajaría Picasso.
En 1923 Picasso continuó con el tema del arlequín; realizó varios retratos de Jacint Salvadó disfrazado de arlequín en un estilo menos monumental y más lírico. También realizó retratos de su hijo Pablo y de su mujer Olga; y el Retrato de Doña María (la madre del artista) (colección privada). Ese verano volvió de nuevo a la Riviera, instalándose en Antibes con Olga y Pablo. Realizó La flauta de Pan (Museo Picasso, París), así como varios dibujos y bocetos sobre el mismo tema. En Antibes visitó mucha de la sociedad que pasaba sus vacaciones, como el pintor Gerald Murphy y su esposa Sarah (que aparece en sus dibujos) y el conde Étienne de Beaumont y su esposa; Beaumont le pidió que diseñara el decorado y vestuario para Mercure, que se estrenaría el verano de 1924.
Mercure
El coreógrafo Léonide Massine había abandonado los Ballets Rusos para producir un ballet para el conde Étienne de Beaumont en una serie de espectáculos privados conocidos como Les Soirées de Paris en verano de 1924, con objeto de ayudar a la aristocracia rusa. Con música de Erik Satie y decorados y vestuario de Picasso, Massine produjo Mercure, el ballet más extraño y original desde Parade. Los planos angulares y líneas rectas de Parade fueron reemplazadas por líneas curvas y onduladas, siluetas sinuosas en el decorado y el diseño de vestuario. El estreno de Mercure el 18 de junio en el Théâtre de la Cigale fue mal recibido por la crítica y el público. Algunos de los surrealistas criticaron que Picasso se involucrara en un proyecto burgués en ayuda de la aristocracia, pero Breton salió al paso defendiendo el trabajo artístico de Picasso, proclamando en su ensayo Hommage à Picasso (Homenaje a Picasso) «En lo que a mí respecta, considero la colaboración de Picasso en Mercure como el evento artístico más importante en los últimos años».
Dos días después se estrenó Le train bleu, última colaboración con los Ballets Rusos de Sergéi Diágilev, en el Théâtre des Champs-Elysées. El telón fue pintado por el pintor de escenarios Alexander Shervashidze, a partir del gouache de Picasso Dos mujeres corriendo por la playa (La carrera). El propio Picasso firmó el telón «Dedicado a Diágilev Picasso 24».
En el verano de 1924 se instaló en la Villa La Vigie, en Juan-les-Pins. Picasso desarrolló en un cuaderno de bocetos una serie de dibujos pre-surrealistas, constelaciones de líneas y puntos, que fueron utilizados años después para una edición ilustrada preparada por Ambroise Vollard de Le Chef-d'œuvre Inconnu de Honoré de Balzac. Para celebrar los cumpleaños de su hijo, Picasso realizaba retratos del niño cada año; en 1924 pintó Pablo de arlequín (Museo Picasso, París).
La polémica en torno a las Soirées de Paris creció durante el verano y provocó un cisma entre los ex-dadás, enfrentando al grupo de Breton contra otro que giraba alrededor de Ivan Goll. En octubre Breton publicó el Manifiesto surrealista, en el que perfiló las consecuencias artísticas de la teoría del psicoanálisis y la interpretación de los sueños de Sigmund Freud. El término surrealismo, que acuñara Apollinaire en 1917, fue adoptado por Breton como nombre de su grupo. Aunque Picasso nunca se unió oficialmente al movimiento surrealista, su obra fue muy admirada por Breton, tanto como fue por Tristan Tzara y los dadaístas. La obra de Picasso aparece reproducida en ocho de los once números de La Révolution Surréaliste, publicados entre 1924 y 1929.
Surrealismo
Periodo surrealista
Desde su matrimonio con Olga y el nacimiento de su primer hijo, Pablo, Picasso disfrutaba de una vida familiar feliz; llevaba una vida social muy activa, alternando con la aristocracia y la intelectualidad parisina; la crítica de vanguardia alababa sus logros artísticos, aunque se centraban en los aspectos formales, ignorando los elementos intuitivos y psicológicos de su obra. Aceptado por la sociedad y la crítica, Picasso estaba considerado como una parte de la tradición francesa que descollaba por encima de las travesuras de la nueva generación de dadaístas antiburgueses, que empezaban a ser suplantados por el grupo que se conocería como los surrealistas.
André Breton fue un gran admirador del arte de Picasso, al que consideró como un exponente del Surrealismo, pese a que nunca se uniera oficialmente al movimiento.
En 1925 pintó, para el cuarto cumpleaños de su hijo, Pablo de pierrot (El hijo del artista) (Museo Picasso, París), en un estilo naturalista similar al retrato de arlquín que pintó el año anterior. También pintó La danza (Tate Modern, Londres); Se trata de un momento crucial en el desarrollo de Picasso, tras un periodo en el que trabajó tanto una forma decorativa del cubismo sintético como un estilo figurativo neoclasicista. La danza está en deuda con ambos estilos, pero su importancia radica en que marca una ruptura con una fase serena y clásica y el inicio de un nuevo periodo de violencia emocional y distorsión expresionista.
La danza constituyó el inicio del periodo surrealista de Picasso, entre 1925 y 1938. Antítesis de sus dibujos clásicos sobre la danza, el carácter expresionista del cuadro simbolizaba la creciente irritación de Picasso hacia Olga y las mujeres en general; herido por la muerte de su amigo Ramón Pichot, creía que su mujer Germaine, que había sido la causa de la muerte de Casagemas, destruyó a su amigo como Olga le estaba destruyendo a él. Al dolor por la muerte de Pichot se une la del músico Erik Satie en julio. En verano pintó, en Juan-les-Pins, El beso (Museo Picasso, París), de un espíritu más agresivo aún que La danza. El motivo de las cabezas superpuestas, que aparece en la figura de la mujer y no en la escultura, encontraría continuidad en su obra posterior. Las cualidades irracionales de esta serie de obras, así como las de las primeras obras cubistas, eran las que Breton encontraba análogas a la teoría del automatismo practicada por los artistas surrealistas.
En el ensayo «El surrealismo y la pintura», publicado en julio de 1925 en el número 4 de La Révolution Surréaliste, Breton declaraba a Picasso como modelo de pintor y lo reclamaba como surrealista, al tiempo que señalaba la imposibilidad de aplicar una etiqueta que constriñera su trabajo: «La etiqueta "cubista" ha cometido mucho ese error». En noviembre se produjo la «Exposition: La Peinture Surréaliste», en la Galerie Pierre de París, en la que se expusieron dos de las pinturas del primer cubismo de Picasso, así como obras de Hans Arp, Giorgio de Chirico, Max Ernst, Paul Klee, André Masson, Joan Miró, Man Ray y Pierre Roy; Breton y Robert Desnos escribieron el prefacio del catálogo. La reseña de la exposición de Maurice Raynal en L'intransigeant decía: «¡El "padre del cubismo" se ha convertido en el hijo adoptivo de los surrealistas! Picasso acompañó en noviembre a su madre, que había pasado las vacaciones con ellos en la costa, a Barcelona. Allí conoció a Dalí, y visitó su primera exposición en solitario en la Galería Dalmau.
Cubismo curvilíneo
En 1926 trabajó un estilo que se ha identificado como cubismo curvilíneo, en el que se combinaban las superficies sinuosas del cubismo decorativo, la superposición de cabezas en las figuras y las deformaciones curvas exploradas en los dibujos de constelaciones, aplicadas a una red cubista. Puede verse en Las modistas (El taller de la modista) (Musée National d'Art Moderne, Centro Georges Pompidou, París) y El pintor y su modelo (Museo Picasso, París),193 obras monocromas pintadas en gris, negro, blanco y ocre canela. Realizó también varios retratos con cierto parecido a Marie-Thérèse Walter, una joven adolescente que según algunos autores presumiblemente conoció por vez primera a principios de 1925 en la Estación de París Saint-Lazare. Asimismo continuó trabajando el motivo de las cabezas superpuestas.
En abril recibió la visita en su estudio de Dalí; pese a la mutua admiración, los dos artistas no llegaron a ser grandes amigos. Su recomendación a Diágilev de trabajar con Miró y Max Ernst los decorados y vestuario de su Romeo y Julieta llevó a que éstos fueran amenazados de expulsión del grupo surrealista, contrario a la colaboración con «una producción burguesa para la alta sociedad».
Bañistas biomórficas
En enero de 1927 conoció a Marie-Thérèse Walter, una joven rubia de diecisiete años de edad, frente a las Galeries Lafayette de París (aunque algunos autores sitúan la fecha dos años antes). En seis meses se convirtieron en amantes. Aunque mantuvieron su relación en secreto hasta el nacimiento de su hija Maya en 1935, las referencias a Marie-Thérèse aparecieron en su obra poco tiempo después de conocerla. La tensión marital con Olga creció, su vida se volvía muy complicada intentando mantener el secreto de su relación. Pasó un infeliz verano en Cannes añorando a Marie-Thérèse mientras Olga se resentía porque Picasso nunca estaba presente en las reuniones sociales que organizaba.
A finales de verano ejecutó un álbum de dibujos, Carnet des Métamorphoses, en el que dotó a bañistas biomórficas de formas esculturales elefantinas, con atributos sexuales que alcanzan proporciones monumentales, como puede verse en Bañista en la cabina (Figura femenina) (Museo Picasso, París). Aunque probablemente se trata de estudios para un monumento a Apollinaire, Christian Zervos escribió en 1929 que Picasso los propuso como monumentos para la Croisette, el elegante paseo que separa la playa de los grandes hoteles en Cannes. A finales de 1927, de vuelta en París, trabajó con el impresor Louis Fort en una serie de trece grabados, encargados por Vollard, sobre el tema del «artista y modelo» para el libro Le Chef-d'œuvre Inconnu que publicaría en 1931.
La petite faucille, de Julio González (1876-1942).
Picasso volvió a la escultura en 1928 de la mano de González, con quien aprendió a trabajar el metal. Hijo de una familia de orfebres catalanes, González aprendió a forjar y soldar en el taller de su familia, pero quería ser pintor y marchó a París en 1900. Tenía ya cincuenta años cuando decidió consagrarse a la escultura, coincidiendo con su colaboración con Picasso en el Monumento a Apollinaire (1928), pero pese a lo tardío de su vocación, se convirtió en un referente de la escultura contemporánea, «padre indiscutible» de la escultura en hierro del siglo XX. Su lenguaje escultórico, basado en el ensamblaje de elementos lineales y planos vacíos que dibujan en el espacio, fue dominante entre las décadas de 1930 y 1950.
Escultura en hierro
En enero de 1928 realizó un gran collage llamado El Minotauro (Musée National d'Art Moderne, Centro Georges Pompidou, París.)197 Consistente en dos piernas que salen de una cabeza de toro, es la primera aparición en su obra del tema mitológico del Minotauro, mitad hombre, mitad toro, que culminó en el Guernica en 1937. También continuó trabajando el tema de las bañistas biomórficas y el pintor y su modelo.
En marzo de 1928 retomó su amistad con el escultor Julio González, cuyo estudio de la rue de Médéah visitó frecuentemente para continuar aprendiendo técnicas de soldadura. En junio realizó su primera escultura tridimensional desde 1914, el bronce Metamorfosis I (Bañista) [Personaje femenino] (Museo Picasso, París), a partir de dibujos de Marie-Thérèse completados en 1927.
En verano se instaló con Olga y Pablo en Dinard, en la Bretaña francesa; en secreto, hospedó a Marie-Thérèse en un campamento de verano para niños cercano, y la inició en sus prácticas sexuales sadomasoquistas preferidas. Continuó trabajando el tema de las bañistas biomórficas en cuadros y dibujos, como Bañista y cabina (MoMA, Nueva York), y una serie de estudios sobre construcciones en metal soldado, en la línea de las constelaciones de puntos unidos por una red de líneas, de cara a un futuro monumento a Apollinaire. De vuelta en París, en otoño trabajó con González sobre este proyecto en una serie de maquetas realizadas con varillas de hierro, que Kahnweiler describió como «dibujos en el espacio». Las maquetas fueron rechazadas por el comité encargado del monumento por considerarlas demasiado radicales e inapropiadas.
La mujer castradora
En la primavera de 1929 realizó la escultura en hierro soldado y pintado La mujer en el jardín (Museo Picasso, París), en el taller de González. También inició los primeros estudios para La crucifixión (Museo Picasso, París), que completaría en 1930. La tensión de su matrimonio con Olga se reflejaba en obras como Busto de mujer y autorretrato (colección privada), en el que una salvaje cabeza femenina con las fauces abiertas se impone sobre un perfil clásico de sí mismo. También en Gran desnudo en sillón rojo (Museo Picasso, París), donde la figura femenina se contorsiona en un grito revelando elementos perturbadores en el subconsciente del artista. La naturaleza surreal de esta pintura se aprecia también en otras muchas obras.
En enero de 1930 pintó Bañista sentada a orillas del mar (MoMA, Nueva York), una mujer concebida como una estructura ósea, una criatura amenazante que contrasta con la serena atmósfera de la playa, cuya cabeza se asemeja a la de una mantis, uno de los símbolos favoritos de los surrealistas (la mantis devora a su compañero durante el acto sexual). Varias obras precedentes y posteriores de Picasso tienen ese mismo tipo de cabeza, y algunas también lo que se conoce como vagina dentata, evocando el «miedo a la castración psicosexual» que los surrealistas simbolizaban a través de la mantis religiosa.
Boisgeloup
Entre Marie-Thérèse y Olga
Sus obras se expusieron por vez primera en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), fundado el año anterior, como parte de la exposición «Painting in Paris». En junio adquirió el castillo de Boisgeloup, a setenta kilómetros al noroeste de París. Boisgeloup se convertiría en un refugio al que podía escapar con Marie-Thérèse; convirtió los establos en un estudio de escultura en el cual su deseo de volver a modelar en barro o escayola y la inspiración en su joven amante le estimularon a crear grandes bustos en escayola, algunos de ellos de una indudable naturaleza sexual. En otoño de 1930 realizó una serie de esculturas, la mayor parte talladas en madera y posteriormente fundidas en bronce, de pequeño tamaño y muy estilizadas. Por esas fechas, Marie-Thérèse se trasladó al número 44 de la calle Boétie, frente al apartamento donde Picasso vivía con Olga. Durante estos primeros años de la década de 1930 Picasso se sentía dividido entre la resistencia a romper su relación con Olga y su obsesión por Marie-Thérèse, quien fue la principal inspiración para las sensuales y sugestivas figuras femeninas de su obra.
En septiembre de 1930 inició la serie de cien grabados que formarían la Suite Vollard; Picasso trabajó en esta serie desde 1930 a 1937, aunque el grueso del trabajo lo realizó entre 1933 (sesenta y un grabados) y 1934 (veinticuatro grabados). Hans Bollinger distinguió en la Suite Vollard siete grupos temáticos: (i) temática variada [veinticuatro pliegos separados]; (ii) retratos de Vollard [tres pliegos]; (iii) batalla del amor [cinco pliegos]; (iv) el estudio del escultor [cuarenta y seis pliegos]; (v) Rembrandt [cuatro pliegos]; (vi) el Minotauro [once pliegos]; y (vii) el Minotauro ciego [cuatro pliegos]. «El artista y la modelo» es un tema general que se encuentra en los grabados de la Suite Vollard, especialmente en los dedicados al estudio del escultor. Picasso podía así, «inocentemente», representarse junto a Marie-Thérèse, a menudo desnuda. Es un tema al que Picasso recurrió a lo largo de la década de 1930; desapareció de su obra durante la Guerra Civil Española y la ocupación alemana de Francia, aunque lo recuperó en sus últimos años.
En enero de 1931 completó Figuras a orillas del mar (Museo Picasso, París), una escena amorosa en la playa en la que los cuerpos, reducidos a unas formas redondeadas y escultóricas, se entremezclan de tal modo en el abrazo que no se distingue qué parte del cuerpo pertenece al hombre o a la mujer, la figura de la derecha, identificable como Marie-Thérèse por la forma de la cabeza. Picasso hacía así hincapié en la naturaleza dual de la sexualidad humana, mediante la contradicción entre la aparente ternura del abrazo y la pétrea presencia de las figuras y sus afiladas y agresivas lenguas. Las cabezas de las figuras recuerdan a El beso (dos cabezas) (Museo Picasso, París), de la misma fecha, donde las dos cabezas que se devoran mutuamente reflejan el conflicto con Olga. Paralelamente a los cuadros de formas monolíticas, realizó una serie de bodegones en un decorativo estilo cubista curvilíneo, de colores brillantes; puede destacarse Gran naturaleza muerta con velador (Museo Picasso, París), donde, en uno de sus más líricos y sexualmente simbólicos bodegones, las formas orgánicas sugieren el torso de Marie-Thérèse. El cuadro permaneció en la colección personal de Picasso hasta su muerte, cuando fue donada al Museo Picasso de París junto a cientos de otras obras, en lugar de los impuestos de sucesión.
En abril, la galería londinense Alex Reid & Lefevre organizó una retrospectiva con treinta y siete pinturas, Thirty Years of Pablo Picasso. En mayo tomó finalmente posesión del castillo de Boisgeloup, donde continuó trabajando el metal con González, incorporando objetos reales en su obra escultórica. Sus esculturas de 1930, ensamblajes de elementos de metal recortado y soldado, como La mujer en el jardín (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), pueden entenderse como «objetos poéticos, de un sabor en ocasiones surrealista». Volvió también al modelado en arcilla o yeso. Realizó varios bustos y relieves retratando a Marie-Thérèse, como Busto de mujer (Marie-Thérèse) (Museo Picasso, París). Las formas y relieves redondeados tienen cierta cualidad sexual y los rasgos faciales parecen en ocasiones órganos genitales (la nariz como falo, la boca como vagina), que recuerdan a la escultura neolítica y la africana. Durante las vacaciones de verano en Juan-les-Pins, completó una serie de dibujos y grabados, líricos y eróticos, que formaron la base para los aguafuertes de la sección titulada «El estudio del escultor» de la Suite Vollard. También pintó varios oleos de pequeño formato de la Villa Chêne-Roc, donde se hospedaba. En otoño retornó a su trabajo escultórico.
El artista y la modelo
La polarización política se extendía por Europa; en España, se declaró la Segunda República Española, cuya constitución, pese a la libertades adquiridas, no consiguió un acuerdo en áreas claves con la derecha conservadora, profundamente implantada en las zonas rurales, y con la Iglesia Católica, que fue despojada de las escuelas y subsidios públicos; en el resto de Europa se dio el auge de los gobiernos totalitarios, especialmente el fascismo en Alemania e Italia y el estalinismo en la Unión Soviética. Todo ello en el marco de una depresión económica a escala mundial.
El 25 de octubre de 1931 Picasso cumplió 50 años, y publicó Las metamorfosis de Ovidio, para Albert Skira, en Lausanne, un total de quince aguafuertes a página completa y otros quince a media página que llevaba trabajando desde el año anterior.208 En esta serie de grabados Picasso remite a la simplicidad del dibujo clásico, describiendo con claridad los objetos y los seres, como hará en la Lisístrata de Aristófanes, publicada en 1934. El 12 de noviembre Ambroise Vollard publicó La obra maestra desconocida de Balzac, con trece aguafuertes de Picasso, en los que incide en el tema del artista y la modelo. En la novela, Balzac plantea el conflicto del artista entre completar la obra y alcanzar la perfección, que se refleja en el aguafuerte de la serie titulado Pintor y modelo tricotando, en el que el pintor transforma el prosaico motivo en una elegante caligrafía curvilínea.
En diciembre de 1931 pintó El escultor (Museo Picasso, París) sobre el tema del artista y la modelo, reveladora de la naturaleza de la relación entre Picasso y Marie-Thérèse; el escultor contempla el busto que ha creado, con el característico perfil clásico, mientras la modelo está sentada al fondo, subordinada al artista y la obra creada. Inició también una serie de retratos de Marie-Thérèse en un sofá, donde su joven amante sale de los márgenes para ocupar una posición central, de «imperturbable grandeza y seguridad». También pintó Mujer con estilete (Muerte de Marat), que tras la fuente histórica refleja el rencor creciente hacia los celos y la posesividad de Olga.
En marzo de 1932 culminó la serie de mujeres durmiendo con Joven delante del espejo (MoMA, Nueva York), donde se combinaban el contorneado negro y las formas orgánicas de los grandes bodegones de 1931 en una de las imágenes de Marie-Thérèse más simbólicas y «multievocativas» creadas por Picasso.
En junio se presentó una retrospectiva en las Galeries Georges Petit de París, con doscientas veinticinco pinturas, siete esculturas y seis libros ilustrados seleccionados por el propio Picasso, que abarcaban desde el periodo azul hasta sus últimos retratos de 1932. La reacción de la crítica no fue positiva, moviéndose entre la cautela y la negatividad. Parece ser que durante esta exposición Olga descubrió la existencia de Marie-Thérèse, lo que provocó «escenas incandescentes» de celos por su parte, aunque no se produjo el enfrentamiento entre ambas mujeres que Picasso temía. La exposición se repitió en septiembre en la Kunsthaus de Zúrich.
Mientras Olga y Pablo veraneaban en Juan-les-Pins, Picasso lo hacía en Boisgeloup con Marie-Thérèse, donde continuó trabajando en desnudos durmientes, escenas de playa y algunas esculturas de pequeño tamaño. También realizó varios dibujos de la serie de La Crucifixión de Grünewald. A su vuelta a París en otoño prosiguió con los retratos de Marie-Thérèse en un sofá y los dibujos sobre La Crucifixión de Grünewald. En octubre, Christian Zervos comienza la publicación de un catálogo razonado (París: Cahiers d'Art) de la obra de Picasso; entre 1932 y 1974 aparecieron veintiocho volúmenes.
El Minotauro
Aunque Picasso ya trató el tema en un collage de 1928, entre 1933 y 1938 se ubica el Periodo Minotauro de Picasso, en el que la esta figura mítica aparece, junto con otros temas clásicos, repetidamente en su obra. Picasso encontró en la mujer torero una forma pictórica de reflejar sus conflictos con Marie-Thérèse y Olga, y en el Minotauro, la bestia consciente de su bestialidad, una personificación de su propio conflicto por dicha situación, su escisión entre el deseo y la responsabilidad moral. El primer número del Minotauro, con una portada de Picasso, apareció en mayo de 1933. Pasó las vacaciones de verano 1933 en Cannes con Olga y Pablo. En septiembre, pintó en Boisgeloup La muerte de un torero.
De junio a septiembre de 1934 hizo unas series de toros, pintadas, dibujadas y grabadas. En agosto, viaja a España con Olga y Pablo, y fue a los toros en Burgos y Madrid. Visitó el Museo de Arte catalán Barcelona. Hizo las esculturas: Femme au feuillage y Femme à l'orange. En la primavera de 1935, la galería de exposiciones Pierre expone los papiers collés. Grabó Minotauromaquia. Se separó de Olga en junio y en octubre nació Maya Picasso, su hija con Marie-Therese Walter.
Hizo los dibujos al agua y otros sobre el tema del Minotauro. Ese mismo año, al comienzo de la Guerra Civil Española, fue nombrado director de Museo del Prado de Madrid. A principios de agosto, Picasso partió para Mougins y se reunió con Dora Maar.
Guernica y pacifismo
Placa en el hotel de la Rue des Grands-Augustins (París). «Pablo Picasso vivió en este inmueble de 1936 a 1955. En este estudio pintó 'Guernica' en 1937.
Igualmente aquí Balzac sitúa la acción de su novela 'Le Chef d'Oeuvre inconnu'».
En enero de 1937 el arquitecto catalán Josep Lluís Sert le pidió que colaborase con un gran mural para el pabellón de la Segunda República Española de la Exposición Internacional de París. El gobierno electo del país se enfrentaba a una posible derrota durante la Guerra Civil Española por los Nacionales de Franco, apoyados por la Alemania nazi y la Italia fascista. La república tenía la esperanza de demostrar al mundo que eran ellos los que representaban al pueblo español y sus logros. Picasso, que en 1936 había aceptado la invitación del entonces presidente de la república Manuel Azaña de convertirse en director honorario del Museo del Prado en Madrid,215 se mostró reluctante en un principio, tanto por el tamaño del proyecto como porque nunca había aceptado antes un encargo con carácter propagandístico. Dora Maar encontró en febrero un estudio muy grande en el nº 7 de la rue des Grands-Augustins, donde Picasso podía llevar a cabo el proyecto.
Ese mismo año realizó Sueños y mentiras de Franco, dos grabados con un formato semejante al cómic o a las aleluyas españolas, con un total de dieciocho escenas, pensadas para ser reproducidas como estampas o postales, en las que denunciaba el golpe de estado fascista y señalaba los crímenes de la guerra, describiendo a Franco como una figura malvada y grotesca. A partir de junio sería acompañado por el poema del mismo nombre, con caricaturas del general Franco.
El 26 de abril de 1937 se produjo el brutal bombardeo de la localidad de Guernica por parte de la alemana Legión Cóndor a petición de Franco. Picasso, que hasta entonces no tenía muy claro el tema para el cuadro, se inspiró en este hecho para desarrollar el mural del pabellón de la Segunda República, y se embarcó el 1 de mayo en la creación de una de sus obras más famosas: Guernica (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), que fue finalmente expuesto en el Pabellón de España en la Exposición Internacional. Dora Maar fotografió el proceso y los distintos estadios del cuadro, que Picasso finalizaría a principios de junio. El cuadro simboliza todo el horror de la guerra y la tragedia de la muerte de muchas víctimas inocentes.
También en contra de la guerra, con motivo de su adhesión al Consejo Mundial de la Paz pintó el famoso La paloma de la paz en 1949. Recibió el premio internacional de la paz en 1955.
De octubre a diciembre de 1937, pintó La mujer que llora (París, Museo Picasso). Después en 1938, hizo un gran collage, Les Femmes à leur toilette (París, Musee National d'Art Moderne). En julio de 1938, va a Mougins con Dora Maar. En julio de 1939 fue con Dora Maar a vivir con Man Ray en Antibes, donde hizo Pêche de nuit à Antibes (Museo de Arte Moderno de Nueva York). A partir de septiembre de 1939 hasta principios de 1940, pintó en Royan el cuadro Séquence de femmes au chapeau.
En 1941 escribió una obra de teatro de estilo surrealista, El Deseo atrapado por la cola, del que hizo una lectura en marzo de 1944 en casa de Michel Leiris con sus amigos Simone de Beauvoir, Jean-Paul Sartre, Albert Camus, Louise Leiris y Pierre Reverdy entre otros. La obra se estrenó finalmente en julio de 1967. También escribió otras dos obras literarias: Las cuatro niñas y El entierro del Conde Orgaz.
Entre 1942 y 1943 realizó el ensamblaje, cabeza de toro (París, Museo Picasso), La Aubade (París, Musee National d'Art Moderne), L'Homme au mouton (París, Museo Picasso). Conoció a Francoise Gilot en mayo de 1943.
Compromiso con el Partido Comunista
Tras el final de la Segunda Guerra Mundial, sus cuadros se volvieron más optimistas, más alegres, mostrando, como el título de una serie de 1946, la alegría de vivir que se sentía entonces. Picasso vive con Marie-Therese durante la insurrección de París en agosto de 1944. Se incorporó en octubre al Partido Comunista Francés y también en octubre abrió el Salón de Otoño y la retrospectiva de Picasso. El Osario (Nueva York Museo de Arte Moderno) lo pintó en abril y mayo de 1945 a partir del recuerdo del descubrimiento en diciembre de 1944, del cuerpo de su amigo ajusticiado, el joven poeta surrealista Robert Rius.
Picasso partió con Dora Maar hacia Cap d'Antibes en julio, y el 26 de noviembre Françoise volvió a convivir con Picasso. Finalizada la guerra, el entorno de amistades de Picasso estaba compuesta por artistas e intelectuales comunistas, lo que marcó en cierto sentido al menos una parte de su obra entre 1946 y 1953.
Período de Vallauris
Vallauris y la cerámica
Palacio Grimaldi en Antibes, sede del Museo Picasso de la ciudad.
En 1946, Picasso y Françoise se fueron a vivir a Golfe-Juan, visitó a Matisse en Niza. A primeros de julio marchó a Ménerbes (Vaucluse) con Françoise, a la casa que había dado a Dora Maar. Recibía cartas a diario de Marie-Thérèse. Françoise estaba a disgusto y se marchó a las tres semanas en autostop a Marsella, con unos amigos; Picasso la encontró en el camino y le pidió que volviera, sugiriendo que tuvieran un hijo. Visitaron Vallauris, donde modeló tres piezas de cerámica en el taller de alfarería Madoura, de Georges Ramié. A su retorno a Golfe-Juan en agosto, Françoise estaba embarazada. Picasso había conocido a Romual Dor de la Souchère, conservador del Museo de Antibes, en el Palacio Grimaldi, pero él prefiere decorar el museo; entre septiembre y octubre pintó veintidós paneles para el palacio, que más tarde sería Museo Picasso de Antibes, con temas marinos y composiciones mitológicas. Los estudios de faunos y figuras clásicas culminaron en el tríptico La joie de vivre (Pastorale) (Musée Picasso, Antibes), título que tomó prestado de su amigo Matisse, para un cuadro que refleja la felicidad que compartía en aquella época con Françoise. En octubre coincidió durante la primera edición del Festival de Cine de Cannes con Breton, recién retornado del exilio en Estados Unidos. Breton, que se había negado en agosto a saludarle cuando coincidieron en Golfe-Juan, desairó de nuevo a Picasso por su afiliación al Partido Comunista; no volvieron a verse nunca más. Este gesto fue preludio a la ruptura violenta entre los surrealistas y el Comunismo desde 1947.
Nacimiento de Claude
En 1947 trabajó naturalezas muertas con el tema búho en una silla, y grabados de faunos, centauros y bacantes, siguiendo la temática del verano en Antibes; a finales de enero, finalizó el óleo Monumento a los españoles muertos por Francia (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), que inició a finales de 1945. En febrero inició la serie de cuarenta y un aguafuertes y aguatintas para la edición de Luis de Góngora y Argote: Vingt Poèmes (Veinte poemas), publicado en París por Les Grands en 1949. A finales de marzo hizo varias litografías sobre el David y Betsabé de Lucas Cranach el Viejo (1472–1553). El 15 de mayo nació en París su hijo Claude, nombre que decidió Françoise en honor de Claude Gillot, maestro de Watteau. La pareja pasaba cada vez menos tiempo en el estudio de París y más en Golfe-Juan, donde se trasladaron con el niño a finales de junio; en agosto volvió a visitar el taller de cerámica de Georges Ramié en Vallauris, e inició una intensa producción, alrededor de dos mil piezas entre octubre de 1947 y 1948, introduciendo innovaciones formales, técnicas y colorísticas que condujeron a una revitalización de la industria cerámica de la ciudad, que declinaba desde la Primera Guerra Mundial. En pintura y grabado realizó unas pocas obras tan solo hasta final de año; siguió el trabajo sobre los grabados para los Vingt Poèmes de Góngora, algunos retratos de Françoise y naturalezas muertas. En diciembre realizó los escenarios para Oedipus Rex, de Sófocles, dirigida por Pierre
Blanchar.
Female head por Picasso en Halmstad, Suecia.
La Galloise, Vallauris
En la primavera de 1948 Picasso y Françoise abandonaron el apartamento que ocupaban en Golfe-Juan, y Picasso inició en mayo la realización de una serie de treinta y ocho grabados y cuatro aguatintas para ilustrar Carmen, de Próspero Mérimée (París, La Bibliothèque Française), que finalizaría en noviembre. En el verano se mudaron a una pequeña casa llamada La Galloise, en las colinas que rodean Vallauris. Françoise estableció un diálogo artístico abierto con Matisse, a través de correspondencia y de las visitas que realizaban al artista. Picasso finalizó el poema en seis actos Les Quatre Petites Filles, que empezó a escribir en noviembre de 1947. El 25 de agosto Picasso fue al Congreso de Intelectuales por la Paz en Breslavia, regresando a Vallauris a mediados de septiembre. En octubre volvió a su estudio en París, con Françoise de nuevo embarazada. Comenzó a trabajar el tema de la mujer-flor y varias naturalezas muertas. Pintó dos versiones de La Cuisine (La cocina), uno se encuentra en el Museo Picasso de París y el otro en el MoMA de (Nueva York), composiciones lineales construidas mediante ritmos y líneas de fuerza, con un uso escaso del color.227 En diciembre realizó varios retratos de su hijo Claude, e imprimió veintisiete modelos de Femme assise dans un fauteuil, serie en la que Françoise luce un abrigo que Picasso le trajo de Polonia, y que continuó durante enero de 1949. También continuó trabajando en naturalezas muertas con crustáceos; Nature morte au poron (Naturaleza muerta con porrón, Galerie Fabien Boulakia), Le grand homard rouge (El gran bogavante rojo, colección privada).
Paloma
En febrero de 1949 Louis Aragon acudió al estudio parisino de Picasso a seleccionar un dibujo para el cartel del Congreso Mundial de Partisanos por la Paz que había de celebrarse en París en abril del mismo año. La colombe, un dibujo a lápiz azul sobre papel, fue el motivo escogido por Aragon, y la imagen fue conocida rápidamente como La paloma de la paz.
En marzo inició una serie de cuadros de Françoise sentada, con el título Femme assise,(Mujer sentada). En primavera volvió brevemente a Vallauris y compró una fábrica de esencias abandonada para usarla como estudio, y utilizó algunas habitaciones para almacenar su trabajo en cerámica. También comenzó a recolectar objetos y cachivaches, que posteriormente reutilizaría en distintas piezas. Intensificó su trabajo en escultura, que había reanudado en el año anterior: Femme enceinte (Mujer embarazada) figura una forma femenina a partir de una vara de metal larga, a la que añadió dos brazos arriba y dos piernas abajo, y un vientre hinchado con dos pequeños pechos en el centro. Realizó de nuevo una serie de obras inspiradas en cuadros de Lucas Cranach el Viejo: las litografías Vénus et l'Amour (Cranach) (Venus y Amor (Cranach)); Jeune fille inspirée par Cranach (Muchacha inspirada por Cranach), propiedad de Christie's y David et Bethsabée (Cranach) VII (David y Betsabé (Cranach) VII), del Museo Picasso de París. Las variaciones de Picasso sobre el David y Betsabé de Cranach tuvieron su origen en una reproducción en blanco y negro del catálogo de una exposición de 1937 sobre el artista realizada en Berlín, que Kahnweiler le había regalado.
El 19 de abril de 1949 nació su segunda hija, el día de la apertura del Congreso por la Paz, y decidió llamarla Paloma en honor al símbolo que creó para los carteles que aparecían por todas las calles de París. Tras el parto, Françoise retomó su trabajo como pintora, y Kahnweiler le ofreció un contrato para ser su marchante en exclusiva. Picasso volvió su interés hacia la pintura, dejando un poco de lado la cerámica y centrando su inspiración en sus hijos Claude y Paloma. La familia retornó a Vallauris en otoño, y Picasso, perdido un poco el interés por la cerámica, volvió a la pintura y la escultura de un modo más concentrado, realizando varios bronces, algunos de motivos africanos. Durante el año siguiente la escultura ocupó la mayor parte de su tiempo.
La ubicación del Museo Picasso (París) en el hotel Salé fue decidida en 1974. El fondo de obras se nutrió básicamente de la donación producida a la muerte del artista por sus sucesores, como intercambio por los impuestos derivados de la herencia. El museo fue abierto al público en 1985.
El 6 de agosto de 1950 Laurent Casanova inauguró la exposición L'Homme au mouton en Vallauris. Picasso hizo La cabra, La mujer del cochecito y Niña saltando a la cuerda. El 15 de enero de 1951, pintó Masacre en Corea. En 1952, dibujó La guerra y La paz para decorar la capilla de Vallauris, escribió una segunda obra de teatro: Les Quatre Petites Filles.
En abril de 1954 hizo los retratos de Sylvette David. En diciembre comenzó la serie de variaciones sobre Las mujeres de Argel de Delacroix. Se instaló en mayo de 1955 con Jacqueline Roque en la villa La California en Cannes. En junio, se celebró una retrospectiva en el Museo de Artes Decorativas. Durante el verano trabajó con Henri-Georges Clouzot para la película Picasso Mystère.
En 1956 realizó Los Bañistas, esculturas en madera (Stuttgart, Staatsgalerie) que después fueron esculpidas en bronce. Pintó El taller de la California. El 17 de agosto de 1957 empezó a trabajar en una serie de 58 interpretaciones sobre Las Meninas (Barcelona, Museo Picasso). El 29 de marzo de 1958 se presentó la decoración para la Unesco: La caída de Ícaro. En septiembre, Picasso compró el castillo de Vauvenargues y pintó La bahía de Cannes.
Se casó con Jacqueline en Vallauris el 2 de marzo de 1961, y en junio se trasladó a Notre-Dame-de-Vie en Mougins (cerca de Cannes). Hizo: La Femme aux bras écartés, La silla, La mujer y los niños, Los Futbolistas. En noviembre de 1962 pintó El rapto de las sabinas del cual una versión está en el Museo Nacional de Arte Moderno de París. La inauguración de la retrospectiva en el Grand Palais y en el Petit Palais tuvo lugar el 19 de noviembre de 1966.
En enero de 1970, el Museo Picasso de Barcelona recibió la donación de las obras conservadas por su familia. Una exposición suya tuvo lugar en el Palacio de los Papas de Aviñón de mayo a octubre. En abril de 1971 la Galería Louise Leiris expuso 194 dibujos realizados entre el 15 de diciembre de 1969 y 12 de enero de 1971. Nueva exposición en la galería Louise Leiris en enero de 1973, mostrando los 156 aguafuertes realizados entre fines de 1970 y marzo de 1972. En 1973 murió debido a un edema pulmonar, en su casa de Mougins (Francia).