Neoclasicismo 1. Primera entrega
De interés general
Fuente Wikipedia. El término Neoclasicismo (del griego "neos"-νέος, latín "classicus" y griego "ismos"-ισμός) surgió en el siglo XVIII para denominar de forma peyorativa al movimiento estético que venía a reflejar en las artes los principios intelectuales de la Ilustración, que desde mediados del siglo XVIII se venían produciendo en la filosofía, y que consecuentemente se habían transmitido a todos los ámbitos de la cultura. Sin embargo, después de la caída de Napoleón los artistas no tardaron en cambiar sus ideas hacia el Romanticismo y el Neoclasicismo fue abandonado.
Orígenes
Johann Joachim Winckelmann, a menudo llamado "el padre de la arqueología".
Con el deseo de recuperar las huellas del pasado se pusieron en marcha expediciones para conocer las obras antiguas en sus lugares de origen. La que en 1749 emprendió desde Francia el arquitecto Jacques-Germain Soufflot, dio lugar a la publicación en 1754 de las Observations sur les antiquités de la ville d'Herculaneum, una referencia imprescindible para la formación de los artistas neoclásicos franceses. En Inglaterra la Society of Dilettanti (Sociedad de Amateurs) subvencionó campañas arqueológicas para conocer las ruinas griegas y romanas. De estas expediciones nacieron libros como: Le Antichitá di Ercolano (1757-1792) elaborada publicación financiada por el Rey de Nápoles (luego Carlos III de España), que sirvieron de fuente de inspiración para los artistas de esta época, a pesar de su escasa divulgación.
También hay que valorar el papel que desempeñó Roma como lugar de cita para viajeros y artistas de toda Europa e incluso de América. En la ciudad se visitaban las ruinas, se intercambiaban ideas y cada uno iba adquiriendo un bagaje cultural que llevaría de vuelta a su tierra de origen. Allí surgió en 1690 la llamada Academia de la Arcadia o Arcades de Roma, que con sus numerosas sucursales o coloniae por toda Italia y su apuesta por el equilibrio de los modelos clásicos y la claridad y la sencillez impulsó la estética neoclásica.
La villa romana se convirtió en un centro de peregrinaje donde viajeros, críticos, artistas y eruditos acudían con la intención de ilustrarse en su arquitectura clásica. Entre ellos estaba el prusiano Joachim Winckelmann (1717-1768), un entusiasta admirador de la cultura griega y un detractor del rococó francés; su obra Historia del Arte en la Antigüedad (1764) es una sistematización de los conocimientos artísticos desde la antigüedad a los romanos.
En Roma también trabajaba Giovanni Battista Piranesi (1720-1778); en sus grabados, como Antichitá romana (1756) o Las cárceles inventadas (1745-1760), y transmite una visión diferente de las ruinas con imágenes en las que las proporciones desusadas y los contrastes de luces y sombras buscan impresionar al espectador.
El trabajo está cargado de simbolismo: la figura en el centro representa la verdad rodeada por una luz brillante (el símbolo central de la iluminación). Otras dos figuras a la derecha, la razón y la filosofía, están rasgando el velo que cubre verdad.
La Ilustración representaba el deseo de los filósofos de la época de la Razón (filosofía) por racionalizar todos los aspectos de la vida y del saber humano. Vino a sustituir el papel de la religión (como organizadora de la existencia del hombre) por una ética laica que ordenará desde entonces las relaciones humanas y llevará a un concepto científico de la verdad.
Desarrollo
Arquitectura
Artículo principal: Arquitectura Neoclásica.
Cenotafio para Isaac Newton.
Puerta de Brandeburgo.
Fachada de la Catedral de Pamplona.
Representación de la Acrópolis de Atenas. Obra del arquitecto y pintor Leo von Klenze (detalle).
La arquitectura puede ser analizada como una rama de las artes social y moral; La Enciclopedia le atribuyó la capacidad de influir en el pensamiento y en las costumbres de los hombres. Proliferan así las construcciones que pueden contribuir a mejorar la vida humana como hospitales, bibliotecas, museos, teatros, parques, etc., pensadas con carácter monumental. Esta nueva orientación hizo que se rechazara la última arquitectura barroca y se volvieran los ojos hacia el pasado a la búsqueda de un modelo arquitectónico de validez universal.
Nacen movimientos de crítica que propugnan la necesidad de la funcionalidad y la supresión del ornato en los edificios. Francesco Milizia (1725-1798) en Principi di Architettura Civile (1781) extendió desde Italia las concepciones rigoristas a toda Europa. Mientras, en Francia, el abate Marc-Antoine Laugier (1713-1769) propugna en sus obras Essai sur l'Architecture (1752) y Observations sur l'Architecture (1765) la necesidad de crear un edificio en el cual todas sus partes tuvieran una función esencial y práctica y en el que los órdenes arquitectónicos fueran elementos constructivos y no sólo decorativos, todo ello para hacer una arquitectura verdadera: la construida con lógica.
Todos los arquitectos parten de unos supuestos comunes como son la racionalidad en las construcciones y la vuelta al pasado. Los modelos de los edificios de Grecia y Roma e incluso de Egipto y Asia Menor se convierten en referentes que todos emplean aunque desde puntos de vista distintos.
Los modelos greco-romanos dieron lugar a una arquitectura monumental que reproduce frecuentemente el templo clásico para darle un nuevo sentido en la sociedad civil. El perfil de los Propileos de Atenas le sirvió al alemán Carl Gotthard Langhans para configurar su Puerta de Brandeburgo en Berlín (1789 a 1791), un tipo muy repetido como atestigua la entrada al Downing College de Cambridge (1806) obra del inglés William Wilkins o la posterior Gliptoteca de Múnich de Leo von Klenze.
También el inglés James Stuart (1713-1788), un arquitecto arqueólogo al que se ha llamado el Ateniense, en su monumento a Lisícrates en Staffordshire, reprodujo el monumento corágico de Lisícrates en Atenas. Los hermanos Adam extendieron por toda Inglaterra un modelo decorativo para interiores con temas sacados de la arqueología; una de sus obras más representativas es Osterley Park, con una notable estancia etrusca y un clásico hall de entrada (1775-80).
Italia prefirió recrear sus modelos antiguos ya bien avanzado el siglo XVIII y en los comienzos del siglo XIX. El modelo del Panteón de Agripa en Roma se repite en un gran número de templos, como el de la Gran Madre de Dio en Turín y San Francisco de Paula en Nápoles, ambos terminados en 1831, que reproducen el pórtico octástilo y el volumen cilíndrico del Panteón.
Otros arquitectos, los llamados utópicos, revolucionarios o visionarios, plantearon edificios basados en las formas geométricas. No despreciaron la herencia del pasado clásico y, aunque respetaron las normas de simetría y la monumentalidad, sus edificios son a veces el resultado de la combinación caprichosa de las formas geométricas. Étienne-Louis Boullée (1728-1799) y Claude-Nicolas Ledoux (1736-1806) encabezaron esta postura; entre la gran cantidad de proyectos no construidos merece la pena mencionar el Cenotafio para Isaac Newton concebido por Boullée como una esfera, representación del modelo ideal, levantada sobre una base circular que había de cobijar el sarcófago del científico. Ledoux ha dejado edificios construidos, entre ellos una parte de la utópica ciudad industrial de las Salinas de Arc-et-Senans, de planta circular en el Franco Condado o el conjunto de la Villette en París.
...Entre uno y otros grupos aparece una tercera categoría, la arquitectura pintoresca, a partir de la creación de jardines ingleses en el siglo XVIII, ordenados de forma natural lejos del geometrismo del jardín francés. En esta arquitectura se valora la combinación de la naturaleza con lo arquitectónico, la inclusión en el paisaje natural de edificios que remedan las construcciones chinas, indias o medievales. Este juego de formas caprichosas y el aprovechamiento de la luz buscan suscitar sensaciones en el espectador. Horace Walpole (1717-1797) construyó en Londres (Inglaterra), Strawberry Hill (1753-1756) una fantasía gótica de la que su autor dijo que le había inspirado para escribir una novela gótica, una expresión del efecto inspirador de la arquitectura. También William Chambers (1723-1796) creó un conjunto pintoresco en los Jardines de Kew (Londres) (1757-1763) con la inclusión de una pagoda china que reflejaba su conocimiento de las arquitecturas orientales.
Escultura
Artículo principal: Escultura neoclásica.
Psique reanimada por el beso del amor de Antonio Canova.
También en la escultura neoclásica pesó el recuerdo del pasado, muy presente si consideramos el gran número de piezas que las excavaciones iban sacando a la luz, además de las colecciones que se habían ido formando a lo largo de los siglos.
Las esculturas neoclásicas se realizaban en la mayoría de los casos en mármol blanco, sin policromar, puesto que así se pensaba que eran las esculturas antiguas, predominando en ellas la noble sencillez y la serena belleza que Winckelmann había encontrado en la estatuaria griega. En este mismo sentido habían ido las teorías de Gotthold Ephraim Lessing (1729-1781) que en su libro Laocoonte, o de los límites de la pintura y de la poesía (1766) había tratado de fijar una ley estética de carácter universal que pudiera guiar a los artistas; sus concepciones sobre la moderación en las expresiones y en el plasmado de los sentimientos son reglas que adoptará el modelo neoclásico.
Así, los escultores de fines del siglo XVIII y comienzos del XIX, crearán obras en las que prevalecerá una sencillez y una pureza de líneas que los apartará del gusto curvilíneo del Barroco. En todos ellos el desnudo tiene una notable presencia, como deseo de rodear las obras de una cierta intemporalidad. Los modelos griegos y romanos, los temas tomados de la mitología clásica y las alegorías sobre las virtudes cívicas llenaron los relieves de los edificios, los frontones de los pórticos y los monumentos, como arcos de triunfo o columnas conmemorativas.
El retrato también ocupó un importante lugar en la escultura neoclásica; Antonio Canova (1757-1822) representó a Napoleón como Marte (1810, Milán) y a su hermana Paulina como Venus Victrix (1807, Roma) tomando así los modelos de los dioses clásicos. No obstante otros prefirieron un retrato idealizado pero al tiempo realista que captara el sentimiento del retratado, como Jean-Antoine Houdon (1741-1828) con su Voltaire anciano (Museo del Hermitage) o el bello busto de la Emperatriz Josefina (1806, Castillo de Malmaison) de Joseph Chinard (1756-1813).
Antonio Canova (1757-1822) y Bertel Thorvaldsen (1770-1844) resumen las distintas tendencias de la escultura neoclásica. Mientras Canova llega al Clasicismo desde una formación barroca y configura un estilo de gran sencillez racional, el danés Thorvaldsen siguió más directamente las teorías de Winckelmann hasta conseguir un estilo voluntariamente distante y frío que debe mucho a la estatuaria griega. Su Jasón o Marte y el Amor reflejan esa fidelidad al modelo griego.
Pintura
Artículo principal: Pintura neoclásica.
La fuente, obra de Ingres.
Los pintores, entre los que destacó Jacques-Louis David, reprodujeron los principales hechos de la revolución y exaltaron los mitos romanos, a los que se identificó con los valores de la revolución.
La claridad estructural y el predominio del dibujo sobre el color son algunas de las principales características formales de la pintura neoclásica. Obras como el Juramento de los Horacios, por ejemplo, plantean un espacio preciso en el que los personajes se sitúan en un primer plano. Jean Auguste Dominique Ingres (1839-1867) aunque no fue un pintor neoclásico, tiene obras -como La Fuente- que representan este movimiento artístico.
Música
Artículo principal: Música del Clasicismo.
Según la musicología actual, el término "música clásica" se refiere únicamente a la llamada música del Clasicismo (1750-1827 aprox., coincidente con el período neoclásico), inspirada en los cánones estéticos grecorromanos de equilibrio en la forma y moderación en la dinámica y la armonía.
Comúnmente se llama "música clásica" al tipo de música que se contrapone a la música popular y a la folclórica. Esto puede comprobarse en los medios de comunicación, en las revistas de divulgación musical y los folletos que acompañan a los CD de música académica. Para definir ese tipo de música que se relaciona con los estudios en conservatorios y universidades, los musicólogos prefieren el término "música académica" o "música culta".
Como los antiguos griegos y romanos no pudieron inventar maneras de conservar la música (mediante soportes gráficos como partituras o soportes sonoros como grabadores), el Neoclasicismo de los siglos XVIII y XIX como resurgimiento de las artes clásicas grecorromanas (arquitectura, escultura, pintura) no alcanzó a la música. De todos modos los músicos de fines del siglo XVIII, influenciados sin duda por el arte y la ideología de la época, trataron de generar un estilo de música inspirado en los cánones estéticos grecorromanos:
Notable maestría de la forma,
Moderación en el uso de los artificios técnicos (en el barroco el contrapunto y la armonía habían llegado a un punto que el público consideraba extravagante),
Suma reserva en la expresión emocional.
Después de la Primera Guerra Mundial varios compositores (como Igor Stravinski y Paul Hindemith) realizaron composiciones donde se notaba un retorno a los cánones del Clasicismo de la escuela de Viena (de Haydn y Mozart), aunque con una armonía mucho más disonante y rítmicas irregulares. Ese movimiento musical se denominó "música neoclásica".
Véase también: Música culta.
Literatura
Véanse también: Literatura española de la Ilustración y Neoclasicismo hispanoamericano.
La Ilustración fue un movimiento intelectual que provocó que el siglo XVIII fuera conocido como el «Siglo de las Luces». El culto a la razón promovido por los filósofos ilustrados conllevó un rechazo del dogma religioso, que fue considerado origen de la intolerancia, y una concepción de Dios que pasaba de regir el mundo mediante las leyes naturales a desaparecer en concepciones ateas del universo. Los ilustrados promovieron la investigación de la naturaleza, el desarrollo científico-técnico, la educación y la difusión general de todo tipo de conocimientos; fueron los tiempos de L'Encyclopédie. El arte se hizo así más accesible y con menos pretensiones, y la literatura se dirigió a un público más amplio, planteándose como un instrumento social. El aumento del número de lectores, especialmente entre la burguesía, plantea la figura del escritor como un profesional, y la escritura como su fuente principal o secundaria de sustento.
Francia fue la primera en reaccionar contra las formas barrocas, y los tres grandes ilustrados, Voltaire, Montesquieu y Rousseau se cuentan entre sus principales exponentes. También destacaron Pierre Bayle, Denis Diderot, George Louis Lecler y Chamblain de Marivaux. En Inglaterra tuvo una gran cantidad de adeptos la novela de aventuras, destacando Daniel Defoe, Jonathan Swift, Samuel Richardson y Henry Fielding, junto a los poetas John Dryden y Alexander Pope.
De la novela se pasó al ensayo como género divulgador de ideas por excelencia. La literatura neoclásica realizó una crítica de las costumbres, incidiendo en la importancia de la educación, el papel de la mujer y los placeres de la vida. Destacaron en España el fraile benedictino Benito Jerónimo Feijoo, Gaspar Melchor de Jovellanos y José Cadalso.
Cobró importancia la fábula, relatos o poesías normalmente ejemplificadas con animales, donde se exponen enseñanzas morales. La fábula se caracterizaba por ser una composición de carácter didáctico, por la crítica de vicios y costumbres personales o de la sociedad, y por la recurrencia a la prosopopeya o personificación. Es el subgénero que más se adaptó a las preceptivas neoclásicas: una composición sencilla en la que la naturaleza interviene, y que enseña divirtiendo. Destacaron los fabulistas Félix María de Samaniego y Tomás de Iriarte en España, y el francés Jean de la Fontaine.
En España, hubo una continuidad barroca en la poesía, con autores como Diego de Torres y Villarroel, que consideraba a Quevedo su maestro; Gabriel Álvarez de Toledo y Eugenio Gerardo Lobo. La segunda mitad del siglo XVII mostraba ya una poesía neoclásica, dominada por su admiración por la ciencia y los temas filosóficos, o centrada en temas anacreónticos y bucólicos, y marcada en ocasiones por el fabulismo. Destacaron Nicolás Fernández de Moratín, autor de Arte de las putas, prohibida por la Inquisición, que pudo inspirar los Caprichos de Goya; Juan Meléndez Valdés y José Cadalso, de la escuela salmantina; los fabulistas Iriarte y Samaniego en Madrid; en la escuela sevillana destacaron José Marchena, Félix José Reinoso, José María Blanco-White y Alberto Lista.
Se dio también una fuerte influencia barroca en el teatro español, especialmente durante la primera mitad del siglo XVIII, con autores como Antonio de Zamora o José de Cañizares. El teatro en España tuvo cambios como la prohibición oficial de representar autos sacramentales, la reaparición del gusto popular por el sainete y la transición de los antiguos corrales a los teatros, como locales adecuados a la nueva concepción del teatro. A finales del primer tercio de siglo los dramaturgos españoles comienzan a seguir los modelos franceses, como Boileau y Racine, renovando las estéticas aristotélicas y horacianas.
La obra de teatro debe ser verosímil, cumplir con las unidades de acción, de espacio y de tiempo, y tener un enfoque didáctico y moral. Destacaron en la tragedia Nicolás Fernández de Moratín, José Cadalso, Ignacio López de Ayala y Vicente García de la Huerta; en el más popular género del sainete, destacaron Antonio de Zamora, el prolífico Ramón de la Cruz e Ignacio González del Castillo. Destacó especialmente la figura de Leandro Fernández de Moratín, creador de lo que se ha dado en llamar «comedia moratiniana» (La comedia nueva o El café, El sí de las niñas), en que ridiculizaba los vicios y costumbres de la época, usando el teatro como vehículo para moralizar las costumbres. Seguidores de esta línea son también Manuel Bretón de los Herreros y Ventura de la Vega.
Fuente rincondelvago. El Neoclasicismo abarca un periodo desde 1760 al 1830 aproximadamente.
Se desarrolló especialmente en la escultura y en las artes decorativas y floreció en Estados Unidos y Europa.
Este estilo proclama la vuelta a las formas de la antigüedad, porque son las mas racionales y porque se quiere volver al verdadero estilo universal, permanente, que sirva para siempre y que no este condicionado por las modas.
En esa vuelta a los ideales antiguos también hay un matiz romántico. Esta tendencia triunfa en Francia y se va a generalizar hacia 1770, aunque todavía hay Rococó. En esta generalización se incluyen varios factores:
La difusión de los estilos de Winckelmann, Piranesi, Mengs, Laugier.
El papel desempeñado por Roma como centro de intercambio artístico. Allí iban los artistas, coleccionistas, estudiosos, etc. Era un lugar de exhibición y difusión.
La acción de las academias que se fundan a mediados del XVIII y que proponen como estilo básico al neoclasicismo. Tuvo un publico amplio: aristocracia, burguesía.
Los factores que favorecieron al desarrollo del neoclasicismo fueron:
Los descubrimientos arqueológicos: Se descubren las ruinas de Herculano (ciudad romana) en el 1738 y de Pompeya (1748), esto permite conocer con mas exactitud las obras de la antigüedad romana. Estas causan sorpresa y se dan a conocer a través de grabados. Esos descubrimientos se dejan sentir en una nueva pintura decorativa (Adam, en Inglaterra), basada en elementos pompeyanos y herculanos, tondos de fondo oscuro con ninfas y otro tipo de escenas en el interior, arquitectura sutil y ligera, inspirada en los estilos pompeyanos. También esfinges grifos, animales fantásticos.
Los descubrimientos en Palmira, en Balbeck, Grecia. Comienza a conocerse la civilización griega. Comienza a conocerse la civilización griega, expediciones a Egipto y en general se comienzan a estudiar todas la s época históricas. Empieza a conocerse la prehistoria. Todo aquello a lo que responde un sentido romántico, gusto por la ruina y al mismo tiempo se crea una nueva conciencia de la evolución y la relatividad histórica.
Estos descubrimientos producen dos consecuencias:
Se conoce la antigüedad tal como es, deja de ser algo mítico, considerada como una época ideal.
Se dan cuenta de que muchos elementos que se creían clásicos no lo eran, sino que procedían del renacimiento o barroco.
Permiten corregir el estilo.
Al establecer, los revolucionarios, repúblicas en Francia y América del Norte, los nuevos gobiernos adoptaron el Neoclasicismo como estilo oficial con el argumento de que este relacionaba la democracia de la antigua Grecia con la República romana.
La diversidad de estilos que había a finales del siglo XVIII hizo que el arte neoclásico sea divido con adjetivos: Lo Bello, Lo Sublime y lo Pintoresco.
Lo Bello: Se busca la belleza o la perfección. Se vuelve a las formas del arte griego ya que son las mas racionales y las que mejor han representado la belleza. Formas atemporales, sencillas, proporcionadas, simétricas. Este es el ideal que defiende Winckelmann, imitación de los griegos para lograr su grandeza. Este clasicismo es la tendencia dominante a fines del siglo XVIII, pero no la única.
Lo Sublime: Es la categoría de lo romántico. Todo lo que explota el dolor, el sufrimiento que es capaz de conmover al hombre y causarle temor, admiración y respeto. Como una divinidad que se impone al hombre, reduciéndolo. Paisajes inmensos, grandes catástrofes naturales que destruyen a la humanidad, tormentas, volcanes, fuerzas demoniacas, el sueño, lo irracional, lo incontrolable. En esta época el concepto de sublime es extenso, pueden considerar las ruinas romanas sublimes e incluso una acción sublime que se aparta de lo cotidiano. Grandeza moral propia del Neoclasicismo moralizante.
Lo Pintoresco: Donde mejor se refleja esta categoría es en el paisaje inglés en el que suele haber senderos y gran diversidad. Lo propio de lo pintoresco es la diversidad, explotación de los rasgos accidentales e individuales. Se opone así a la simetría clásica, también explota lo que son las apariencias empíricas, lo superficial y tiene simple un matiz agradable, bastante propio del Rococó.
Estas categorías no son excluyentes, en un mismo autor pueden aparecer las tres.
Las teorías artísticas: Destacan a Winckelmann y Piranesi. El primero es el defensor del ideal griego y el segundo del ideal romano.
Winckelmann basa todas sus teorías en la escultura, Mains las recoge en pintura. Este teórico defiende la claridad, la simplicidad, la grandeza de las formas griegas porque son las que cumplen mejor el ideal de belleza. Propone imitar a los griegos para alcanzar su grandeza, apropiarse del espíritu de la antigüedad y estudiar sus obras para poder llegar a crear obras de la misma categoría atemporal que las obras griegas. Esa misma serenidad y quietud. Se va evolucionando desde un clasicismo inicial hacia otro que no sólo pretende recuperar las formas, sino también los valores ideológicos y morales clásicos, que son los que habrían hecho posible esas formas. Él cree que los griegos llegaron al summun del arte gracias a sus condiciones geográficas, políticas, morales...
Piranesi es defensor de lo romano. Es un arquitecto que se dedica a proyectos sobre papel. Defiende la grandeza del arte romano, que añade a lo griego lo funcional. Tuvo influencia a través de una serie de grabados de las ruinas de los edificios romanos. Adopta una serie de puntos visuales, proporciones y contrastes de luces exageradas, que contribuyen a crear una sensación de grandeza que muchos de esos edificios no tenían. Refleja mucho los edificios romanos, introduce nuevas visiones del edificio, de la masa. También admira los templos griegos de la Magna Grecia (sur de Italia) y hace una serie de grabados de los mismos que contribuyen a extender el conocimiento del orden dórico. Tiene un ideal un tanto romántico, un sentimiento sublime ante esa antigüedad, ante esa civilización.
El papel del arte en la sociedad:
Para algunos, el arte no se podía limitar a crear objetos bellos, sino que tiene que tener también una utilidad social. Aparecen nuevos edificios, fabricas, parlamentos, teatros, que responden a las necesidades sociales. También las artes plásticas deben tener una función, se concibe como un medio de educación para racionalizar la sociedad, se le da un contenido moralizante, para impartir una lección moral
El final del Neoclasicismo se produjo con el nacimiento del Romanticismo y la prioridad por la expresión personal sustituyó al arte basado en valores ideales.
Cronología: Etapas
El neoclasicismo se extiende desde 1760-1830 aproximadamente. No es un periodo uniforme, sino que presenta matices y variedades. Esta dividido en tres etapas.
1ra. Fase:1760 -1780:En este momento los artistas defienden el arte clásico, pero no hay una vuelta a la antigüedad, sino que se siguen mas los modelos clasicistas del XVII. En las artes plásticas no se logra superar el sentimiento hedonista. No hay conocimiento de la antigüedad.
2da. Fase:1780 -1804: Presenta un claro contenido ideológico, mas centrado en los valores clásicos. Se trata de recuperar las formas y también los valores morales políticos, sociales, éticos de la antigüedad que sirvan como modelo para los contemporáneos. Coincide con la idea de Winckelmann. Se busca una sobriedad en las formas y en las emociones, pero no es una copia exacta de los antiguos, imitan la racionalidad y el equilibrio, pero no de una forma exacta. En ocasiones llegan a formas geométricas simples. También se van poniendo las bases de un romanticismo, de forma paralela al florecer del neoclasicismo. Se empieza a recuperar los ideales del gótico sobre todo en Inglaterra. Hay artistas que se fijan en las escenas macabras y bajas pasiones de los héroes de la antigüedad, el mundo de lo nocturno y de las fuerzas incontroladas, donde domina lo irracional, lo subconsciente.
3ra. Fase Desde el imperio:1804 - 1830: Algunos lo llaman Neoclasicismo Romántico y otros empírico. En pintura y escultura esta muy influenciado por las tendencias románticas, con quien convive, sobre todo en los temas, aunque las formas siguen siendo neoclásicas. En arquitectura: imitación de los modelos griegos y romanos, ya sin carácter ideológico. Se cree que son formas racionales y practicas. No se admiten formas clásicas generales, sino modelos completos.
Neoclasicismo
En la Escultura
La escultura es una de las manifestaciones que tuvo mayor prestigio. Más condicionada que la pintura por los modelos antiguos, hay ejemplares antiguos que se consideran modelos a imitar. Centro cultural en Roma, donde existían muchos ejemplares que se incrementan con los hallazgos arqueológicos. Todos los escultores neoclásicos pasaron por allí, a pesar de que la mayoría no eran italianos.
Influencia de la escultura clásica y también de las teorías de Winckelmann basadas en ejemplos escultóricos. Propone la vuelta al ideal de equilibrio y serenidad clásica. Todo ello influye en una nueva concepción de la escultura. Imitar la naturaleza o al arte clásico, seleccionando las parte más perfectas para llegar al ideal, forma que no existe en los individuos particulares. Creen que esa selección es lo que habían hecho los antiguos. Pretenden imitar, no es una simple copia. Esa búsqueda de la forma ideal que va a ser universal y atemporal se lleva a cabo a través del cuerpo humano cuyas representaciones se basan en la realidad, pero que no son realistas ya que eliminan todo lo que supone un rasgo de fealdad, lo idealizan. Las prefieren desnudas porque es mejor para representar la atemporalidad. Si se visten se prefieren las túnicas clásicas, para conseguir atemporalidad y los contornos puros a los que aspira la escultura neoclásica.
Eliminan los rasgos individuales, los movimientos dramáticos, tanto interior como exterior, eliminando todo lo que suponga un exceso. Posturas comedidas. Rostros que no reflejan la psicología interior. Buscan contornos puros, formas cerradas frente a las sinuosidades del barroco. Buscan equilibrio y sobriedad, valorando sobre todo el volumen, que es propio de la escultura, frente a lo pictórico que se busca en el Barroco. Por ello esta escultura tiene carácter monumental.
Suelen realizarse en piedra, sobre todo en mármol blanco sin policromar, como creían que eran las antiguas, también en bronce. Se abandona la madera y la policromía. Persiguen una obra bien hecha en cuanto a técnica. Depende de los grandes mecenas del barroco, iglesia y nobleza; pero las esculturas adquieren cierta autonomía gracias a la escayola, que les permite realizar modelos que se exponen en el salón y si se aceptan se pasan a mármol o bronce.
Separación entre la concepción y el trabajo manual de pasar el modelo a otro material, con lo que gana prestigio el escultor. A través de este modelo se puede reproducir gran número de veces, en diferentes tamaños y materiales, con lo que pueden llegar a todo el mundo, búsqueda didáctica a través del arte. Este tipo de reproducción es una de las más importantes fuentes de ingreso de los escultores.
Temas.
Más limitados que en pintura. También se ve más libre de las ideas literarias, que se ven en la pintura y se pueden dedicar más a conseguir esas formas ideales que a veces se convierten en formas demasiado frías.
A veces están vinculadas a edificios conmemorativos (arcos, columnas...). Escultura monumental que se concibe con independencia del edificio. Suelen ser bajorrelieves sin profundidad espacial.
También escultura de tipo ecuestre, enclavada en ambientes urbanos, procede del barroco.
Monumentos funerarios, algunos siguen el esquema piramidal desarrollado por Bernini, pero se introduce una nueva concepción de la muerte y de la inmortalidad terrena, por eso el acento se pone en los supervivientes que lloran y a través de cuyo recuerdo pervive el personaje. Se buscan alegorías que sean claras y sencillas, muchas veces se prescinde de alegorías cristianas, que se reducen al mínimo. Esas alegorías se distribuyen en grupos perfectamente separados para que no haya ninguna confusión.
El retrato puede ser de busto o de cuerpo entero. Puede ser idealizado, con rasgos que distinguen al personaje, pero buscando la perfección, a veces recurriendo a figuras antiguas. En otros se tiende más a acentuar el realismo, aunque no son excesivamente realistas. Los protagonistas son sólo monarcas o las clases dirigentes, sino que aparecen personajes del mundo de la filosofía, literatura, ciencia..., que se presentan como modelos a imitar, con finalidad didáctica, siguiendo el ejemplo de escultura romana. Tuvieron importancia en Francia (hombre ilustres) y también arraiga en Inglaterra.
El tema mitológico, tomado de los autores antiguos les permite representar la figura humana desnuda, generalmente figuras exentas e individuales, si hay grupos sólo son dos o tres personajes.
El tema religioso prácticamente ha desaparecido. Hay ejemplos que los que se elimina el matiz sentimental.
Aunque existen pautas comunes, no podemos señalar una total uniformidad. Hay dos tendencias:
Tendencia clasicista: Búsqueda de la belleza ideal, del ideal clásico. La representan Canova, Thorwaldsen, Flaxman.
Tendencia realista: se une el ideal clásico con la tendencia realista, que procede del Barroco. Houdon, Sergel, Schadow. Esta tendencia es la que enlazará luego con el romanticismo.
Tendencia clasicista.
Antonio Canova
Gozó de un gran prestigio, influyendo en escultores franceses y españoles. Se considera que llevó a cabo una revolución en la escultura y que fue el que mejor recreó los modelos antiguos. Era veneciano y se formó en el barroco veneciano. Su abuelo era cantero, él tiene gran maestría en el trabajo de la piedra. Sus primeras obras están dentro de la tradición barroca.
* Dédalo e Icaro:
Esta obra le hace ganar un premio que le permite viajar a Roma en 1779, allí entra en contacto con Winckelmann. Se propone la consecución de ese ideal antiguo. Pretende realizar lo que llama clásicos modernos, que tengan el mismo valor que las esculturas antiguas. En su búsqueda de la belleza ideal prescinde de lo particular, lo que determina su forma de trabajar.
* Teseo y el Minotauro (1782):
Tema tomado de la Metamorfosis de Ovidio, en vez de elegir el momento de la lucha, elige un momento de calma posterior a la lucha. Teseo victorioso sentado sobre el monstruo.
* Venus Itálica (1804-1812):
Proporción, postura, peinado. Venus en el momento de salir del baño, es sorprendida por un intruso y ella se cubre. Sensualidad acentuada por los paños mojados. Recuerda a obras clásicas como la Venus capitolina. De frente parece estática, pero si la rodeamos vemos que desarrolla un movimiento hacia delante, lo que le diferencia del escultor neoclásico Thorvaldsen.
Monumentos sepulcrales y retratos: Para las distintas cortes europeas. Recibió el encargo de varias tumbas papales.
* Monumento sepulcral de Clemente XIII (1787-92):
Conserva el esquema piramidal de los monumentos funerarios de Bernini. Tiende a simplificarlos imponiendo una mayor claridad. Hace todo en mármol blanco sin policromar.
* Monumento sepulcral a la Archiduquesa María Cristina de Austria (1805):
Iglesia de los Agustinos de Viena. Rompe con el esquema barroco de Bernini. Como fondo coloca una pirámide en altorrelieve (en Egipto eran monumentos sepulcrales), usa la proporción de la pirámide de Caio Cestio en Roma.
Fue el escultor favorito de Napoleón. Realizó retratos idealizados.
* Napoleón heroizado:
Le da una naturaleza sobrehumana (característico de lo sublime). Rostro con rasgos que identifican al personaje, pero cuerpo idealizado.
Canova ejerció influencia en escultores españoles como Alvarez Cubero o Campeni. Después de su muerte, su arte sufre un cierto eclipse, porque se busca un estilo más puro y más sobrio. En la época posterior a Napoleón la escultura neoclásica está dominada por Thorvaldsen.
Thorvaldsen ( -1838)
Es danés, pero hizo toda su obra en Roma. Él considera que el ideal clásico es el ideal griego y en concreto el de los siglos V-IV (Fidias, Praxiteles; para Canova era el romano y helenístico). Estilo mucho más academicista que Canova.
Sus esculturas:
* Giasone:
Se fija en un modelo clásico de la época griega clásica, el Doríforo de Policleto. Esta obra le abre las puertas de numerosos encargos.
También influye el encargo que se le hizo de restaurar la escultura del templo de Afaia en Egina, que era de época arcaica, le influye en la búsqueda de líneas puras.
* Ganímedes y Zeus:
Tema clásico en que utiliza algunos recursos estilísticos semejantes a Canova.
En algunas de sus obras se contagia del romanticismo y no son tan frías.
* Retrato de Lord Byron (1831):
En esta obra se aparta de lo neoclásico, la vestidura es contemporánea y la postura similar a Teseo y el Minotauro de Canova y al Ares Ludovisi. No dejaron exhibir la obra en ningún sitio público.
* León de Lucerna:
Sentimiento emotivo. Es un monumento que le encarga el alcalde de Lucerna, en honor a los guardas suizos que murieron defendiendo a Luis XVI. La obra trajo controversia.
* Apostolado:
Catedral protestante de Copenhague. Cristo en el centro con los brazos abiertos, escultura bastante fría. Los apóstoles en los muros.
Flaxman
Es inglés. La escultura antigua gozó de gran prestigio en Inglaterra. En el desarrollo del Neoclasicismo influyó la creación de la Academia Real, grandes mecenas y la gran cantidad de monumentos conmemorativos que se erigen para los muertos en las guerras napoleónicas y también los monumentos de hombre ilustres. No hay escultores de gran talla.
Flaxman es el escultor que más influyó en su época, no tanto por su escultura sino por dibujos y grabados. Se formó con un escultor llamado Bakas, que introduce el clasicismo en Inglaterra. Se dedicó a realizar diseños para una fábrica de cerámica muy importante de Londres, se trata de bajorrelieves en plano, de color blanco, sobre un fondo azul. Inspirado en la pintura de vasos griegos. Utiliza temas clásicos. Se suelen disponer en frisos sin profundidad espacial. Algunos siguen el estilo sobrio del clasicismo con quietud y serenidad. En otras obras sigue la tendencia Rococó, con una composición más movida, con más gracia.
A finales de los años 80 fue a Roma y allí conoció a Canova y la escultura antigua. Allí realiza esculturas de tema clásico, intentando realizar clásicos modernos. Lo más importante son unos dibujos para la Iliada, Odisea, Homero, Dante, Esquilo.
* Monumento funerario de Agnes Cromwell:
De las primeras décadas del siglo XIX. Es un bajorrelieve con modelado muy sutil, con un fondo neutro, plano, que refleja el terreno atemporal de la muerte. No rehuye la advocación religiosa.
* Monumento funerario de Nelson:
Toma otra vez el sentido neoclásico. Retoma el esquema de Canova. La vestimenta contemporánea, con sus atributos que son un ancla y una maroma. Quietud, sentimiento de imperturbabilidad.
Sergel
Artista sueco que se inclina más hacia esa tendencia naturalista. A finales de los 60 fue a Roma, estuvo allí doce años, estudió la escultura antigua y a Miguel Angel y los manieristas. Fue muy amigo de Fuseli, pintor afincado en Inglaterra. En Roma hizo esculturas con temas variados, la mayoría se quedaron en yesos. Plasma la influencia griega más que la romana. Se une lo clásico con la tendencia realista del barroco.